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किसी समाज की वास्तुकला से आप उसके बारे में क्या बता सकते हैं?

किसी समाज की वास्तुकला से आप उसके बारे में क्या बता सकते हैं?

मैंने सोचा था कि इमारतें पूरे इतिहास में मौजूद हैं, और यह बहुत महत्वपूर्ण भी नहीं है, लेकिन मेरे विश्व इतिहास वर्ग में, वास्तुकला एक उप-विषय है जिस पर पाठ्यपुस्तक में बहुत चर्चा की गई है।

स्थापत्य शैली हमें समाज के बारे में क्या बताती है? ऐतिहासिक समाज के भवनों के अध्ययन से इतिहासकारों को किस प्रकार का ज्ञान प्राप्त हुआ है?


किसी समाज के बारे में उसकी इमारतों से बहुत कुछ सीखने को मिलता है, खासकर यदि आप जानते हैं कि उनका उपयोग किस लिए किया जाता है। उदाहरण के लिए, सबसे बड़ी और सबसे अधिक सजी हुई इमारतों को खोजें (जिसका अर्थ केवल सजावट नहीं है, बल्कि विशाल खिड़कियां, बड़े हॉल, नाटकीय सीढ़ियां, उनके पास कोई छोटी इमारत नहीं है)। क्या वे हैं:

  • धार्मिक गतिविधियों के लिए?
  • लोगों को प्रतिस्पर्धा या लड़ाई देखने के लिए, संभवतः चोट लगी या मर गई?
  • खरीदारी के लिए?
  • लोगों को गाते, नाचते, नाटक करते देखने के लिए?
  • बिजली पैदा करने के लिए?
  • सीवेज प्रसंस्करण के लिए?
  • सामान बनाने के लिए (उदाहरण के लिए एक कार कारखाना?)
  • लोगों को शिक्षित करने के लिए?
  • देश का कानून बनाने के लिए?
  • अपराधों का न्याय करने के लिए?

साथ ही इन महत्वपूर्ण भवनों की विशेषताओं को अन्यत्र या अन्य समय में समान भवनों की तुलना में देखें। उदाहरण के लिए, इंग्लैंड में अधिकांश महल स्पष्ट रूप से रक्षात्मक इमारतें थीं, जिनमें मोटी दीवारें, तीर के टुकड़े, ड्रॉब्रिज आदि थे। लॉयर घाटी की चट्टानें विशाल इमारतें हैं, लेकिन मूल रूप से सिर्फ घर हैं: यदि उनके पास खंदक हैं तो वे "पानी की विशेषता" हैं। "एक रक्षा तंत्र से अधिक। उनके पास युद्ध से पहले सेना को इकट्ठा करने के लिए तीर-स्लिट या जगह नहीं है। उनके पास बहुत सारे दरवाजे हैं और उनके महान कमरे नृत्य के लिए हैं, न कि गांव के लिए घेराबंदी के दौरान एक साथ घूमने के लिए। यह सब इमारत से ही स्पष्ट है, और आपको उस स्थान पर उस समय का जीवन कैसा था, इसके बारे में बहुत कुछ बताता है।

इसके अलावा बड़ी लेकिन गैर-सजाई गई इमारतों को भी देखें। क्या वे रहने के लिए हैं? इस दिशा में काम करना? बहुत कुछ क्या होता है (इसलिए आपको बड़ी इमारतों की आवश्यकता होती है) लेकिन इसे बहुत महत्वपूर्ण नहीं माना जाता है (इसलिए वे वास्तव में कुछ खास नहीं हैं)?

आप इमारतों की व्यवस्था को भी देख सकते हैं। क्या सब कुछ उस बड़े चर्च या मॉल या स्टेडियम के आसपास केंद्रित है? क्या आप इसे हर जगह से देख सकते हैं? क्या शहर तट से वापस पहाड़ियों की ओर बढ़ा? शहर के किनारे पर क्या है और हर जगह दिल में क्या है? क्या अलग-अलग चीजों के लिए शहर के अलग-अलग हिस्से हैं?

फिर भवन स्तर पर जांच करें। क्या गतिविधियाँ मिश्रित होती हैं जिससे अन्य समाज अलग हो जाते हैं? उदाहरण के लिए, लोग कभी अपने जानवरों को उन्हीं इमारतों में रखते थे जिनमें वे खुद रहते थे। कुछ जगहों पर, लोग घर पर काम करते हैं या काम पर रहते हैं, और दूसरों में ऐसी गतिविधियाँ कभी नहीं मिलतीं। कुछ घरों में घर के बच्चों को पढ़ाने के लिए एक स्कूल का कमरा होता है: दूसरों में बच्चे सीखने के लिए पूरी तरह से अलग जगह जाते हैं। वाहा कितने कमरे हैं? कितने बाथरूम? एक कार्यालय भवन में, क्या लिंग-पृथक बाथरूम हैं? एक कार्यालय भवन में, क्या बड़े बैठक कक्ष हैं? क्या कुछ कार्यालय दूसरों की तुलना में बड़े हैं? क्या मनोरंजन के लिए जगह है? क्या कोई संलग्न डेकेयर है? क्या आपकी साइकिल रखने की जगह है? क्या आवासीय अपार्टमेंट में बालकनी है? क्या यह एक गिलास वाइन के साथ बैठने के लिए है, या टमाटर उगाने के लिए है?

अब यह सब कठिन है जब यह ऐतिहासिक है और आप नहीं जानते कि लोगों ने इमारतों में क्या किया या कमरे किस लिए थे। लेकिन आप खंडहर में सामान पाते हैं, और हो सकता है कि आपके पास उपयोग में आने वाली चीजों को दिखाने वाली कला हो, और आप इस तरह से एक साथ बहुत कुछ कर सकते हैं।

हालांकि यह सामान्य बातचीत में सामने नहीं आ सकता है, बहुत पहले से इमारतों का अध्ययन करना उन तरीकों में से एक है जो आपकी इतिहास की पाठ्यपुस्तक को उन चीजों को जानने में मदद करता है जो आपको इतनी शांति से तथ्य के रूप में बताती हैं। क्या अधिकांश परिवारों के पास गुलाम थे? क्या घरेलू सब्जियों के बगीचे भोजन का एक महत्वपूर्ण स्रोत थे? क्या हर गाँव में एक बाज़ार चौक होता था? क्या गोदी के पास की इमारतें ज्यादातर व्यवसाय करती थीं, जिनमें कोई नहीं रहता था? यह सारी जानकारी इमारतों का अध्ययन करके एक साथ मिलने की संभावना है। वे आपको किताब में यह नहीं बताते कि वे इन तथ्यों को कैसे जानते हैं, बल्कि आपको तथ्यों को बताने पर ध्यान केंद्रित करते हैं।


अधिकांश इमारतें मौलिक रूप से कार्यात्मक हैं, जिसका अर्थ है कि किसी समाज की वास्तुकला से हमें यह भी पता चलता है कि लोग कैसे रहते थे। उदाहरण के लिए, पहले के महलों में स्वामी और किसानों के लिए अलग भोजन कक्ष नहीं थे, यह सुझाव देते हैं कि दो वर्ग आम तौर पर मध्ययुगीन जीवन की छवि के करीब थे। अलग-अलग क्वार्टरों के बाद के लेआउट से संकेत मिलता है कि समय के साथ, शेष जागीर पर स्वामी और उनके परिवार की श्रेष्ठता अधिक मजबूत हो गई।

वास्तुकला भी प्राचीन संस्कृतियों के लिए अपनी धार्मिक और दार्शनिक मान्यताओं को व्यक्त करने का एक तरीका है। पिरामिड स्थायी धार्मिक चिह्नों का एक बड़ा उदाहरण हैं, लेकिन सुन्नी काल के दौरान सीरिया में बड़ी संख्या में शिया तीर्थस्थलों का निर्माण जैसे मामले भी हमें बताते हैं कि धार्मिक स्थिति अधिक तरल और मिश्रित थी, जब केवल राजनीतिक नेतृत्व को देखते हुए लगता है।


किसी समाज की वास्तुकला से आप उसके बारे में क्या बता सकते हैं? - इतिहास

गाने लोगों के समूहों को एकजुट करने और उन्हें सामान्य कार्रवाई में ले जाने या सामान्य भावनाओं को व्यक्त करने में मदद करते हैं। कुछ गाने विशेष पीढ़ियों के लिए '#8220एंथम' बन जाते हैं, क्योंकि बॉब डायलन के “ब्लोइन’ इन द विंड” (1962) 1960 के दशक में कई लोगों के लिए बन गए। राष्ट्रीय संकट के समय में कुछ गीत विशेष रूप से उपयुक्त लगते हैं, जैसे कि “गॉड ब्लेस अमेरिका,” या यहां तक ​​कि जॉन लेनन’s “इमेजिन” (1971)। वे व्यापक रूप से साझा मूल्यों या अनुभवों और भावनाओं को व्यक्त करते हैं जो समूह की पहचान और एकजुटता को परिभाषित करने में मदद करते हैं।

गीत, गायक और शैलियाँ भी लोगों को आत्म-छवियाँ बनाने और व्यवहार करने के तरीके के लिए मॉडल प्रदान करने में मदद करते हैं। उन्नीसवीं सदी में जेनी लिंड से लेकर बीसवीं सदी में बिंग क्रॉस्बी, एल्विस प्रेस्ली और ब्रिटनी स्पीयर्स तक के पॉप सितारों की शैली और उनके प्रशंसकों के दृष्टिकोण को आकार देते हैं। इसके अलावा, वे इसे कई तरीकों से करते हैं। एक यह है कि गायक कैसे खुद का प्रतिनिधित्व करता है: लिंड का धर्मार्थ योगदान, बिंग का पाइप, एल्विस का डकटेल हेयरकट, और ब्रिटनी का नंगे मिड्रिफ। पंक रॉक या बीबॉप जैसी शैलियों ने प्रशंसकों को पोशाक, कठबोली और गैर-अनुरूपतावादी पहचान की शैली प्रदान की।

गीत के बोल जीवन शैली, मूल्यों और दिखावे के बारे में निर्णय-8212और यहां तक ​​कि संघर्ष-भी व्यक्त करते हैं। उदाहरण के लिए, 1970 के दशक की शुरुआत में, नील यंग ने दक्षिण विरोधी राय व्यक्त करने वाले दो गाने जारी किए: “सदर्न मैन” (1970) और “अलबामा” (1972)। कुछ साल बाद एक दक्षिणी रॉक बैंड, लिनार्ड स्काईनार्ड ने दक्षिण के बचाव के साथ जवाब दिया जिसका शीर्षक था “स्वीट होम अलबामा” (1974), जिसमें पंक्तियाँ शामिल हैं “मुझे आशा है कि नील यंग को एक दक्षिणी व्यक्ति याद होगा जिसे उसकी आवश्यकता नहीं है चारों ओर, किसी भी तरह।” अंत में, संगीत व्यवहार और मूल्यों को व्यक्त कर सकता है कि यह कैसा लगता है। रॉक ‘n रोल जैसे विभिन्न लोकप्रिय रूप, और, 1970 के दशक की शुरुआत में, पंक, हेवी मेटल और रैप जैसे रूप, पुरानी पीढ़ियों के कानों पर हमले के साथ-साथ मूल्यों के रूप में उद्दंड लग रहे थे।

इतिहासकार कभी-कभी गीतों को समाज और संस्कृति के कमोबेश सीधे “प्रतिबिंबों” के रूप में मानते हैं, जिसमें उनका निर्माण किया गया था। फिर इन गीतों का उपयोग यह बताने के लिए किया जाता है कि इतिहासकार पहले से ही सोचते हैं कि वे उस समाज और संस्कृति के बारे में क्या जानते हैं। इस प्रकार, “कम होम फादर” (1864) जैसे एक शराब-विरोधी गीत की व्याख्या इस अर्थ में की जा सकती है कि उन्नीसवीं सदी के अमेरिकी शराब के बारे में चिंतित थे और इसके दुरुपयोग का विरोध करते थे। एक स्तर पर, संगीत के बारे में यह दृष्टिकोण समझ में आता है: एक संगीत कार्य एक उत्पाद और समाज और संस्कृति का एक हिस्सा है जिससे यह उभरता है। लेकिन ऐसा दृष्टिकोण अत्यंत सरलीकृत भी है। एक बात के लिए, यह इस तथ्य की उपेक्षा करता है कि अन्य गीतों सहित अन्य लोकप्रिय ग्रंथों के संबंध में गीत मौजूद हैं। उदाहरण के लिए, “कम होम फादर," ने एक अन्य संगीतकार की अगली कड़ी को प्रेरित किया, "फादर डॉन’t ड्रिंक एनी नाउ!” (१८६६) और दोनों एक ही संगीतमय ब्रह्मांड का हिस्सा थे, जिसमें गाने हल्के ढंग से पीने का इलाज करते थे, जैसे &# 8220 पॉप, पॉप, पॉप। एक हास्य गीत” (1868)।

यह धारणा कि गीत केवल अपने समय को दर्शाते हैं, इस तथ्य की भी उपेक्षा करते हैं कि गीत लगभग हमेशा कई व्याख्याओं के लिए खुले होते हैं। उदाहरण के लिए, 1960 के दशक में 'पफ द मैजिक ड्रैगन' (1963) व्यापक रूप से मारिजुआना और इसके प्रभावों से जुड़ा था। फिर भी गीतकार, लियोनार्ड लिप्टन ने दावा किया कि यह गीत बचपन की मासूमियत के नुकसान के बारे में था। स्पष्ट रूप से यह व्याख्या प्रचलित थी क्योंकि १९७० के दशक तक यह नर्सरी स्कूलों और बच्चों के गायन के साथ मानक रिपर्टरी बन गई थी। इतिहास को समझने के लिए स्रोतों के रूप में गीतों का उपयोग करने की समृद्धि और ऐसा करते समय उपलब्ध साक्ष्य में गहराई से तल्लीन करने की आवश्यकता इस तरह के कई उपयोगों और व्याख्याओं के लिए उनके खुलेपन में निहित है।

तथ्य यह है कि कई उपयोग और व्याख्याएं मौजूद हैं, हालांकि, संगीत के एक और महत्वपूर्ण पहलू की ओर इशारा करते हैं: यह शिष्टाचार, नैतिकता, राजनीति और सामाजिक परिवर्तन के बारे में सार्वजनिक बहस के लिए एक मंच के रूप में कार्य करता है। संगीतकार और उनके दर्शक सामाजिक अभिनेता होते हैं जबकि वे अपने आसपास की दुनिया को प्रतिबिंबित करते हैं, वे इसकी व्याख्या और परिवर्तन भी करते हैं। हर वियतनाम युद्ध विरोधी गीत जैसे “I-फील-लाइक-आई’m-फिक्सिन’-टू-डाई राग” (1967) के लिए युद्ध-समर्थक (या युद्ध-विरोधी) गाने थे जैसे &# ८२२० बैलाड ऑफ़ द ग्रीन बेरेट्स” (१९६६)। इस तरह के मामलों में, गाने हमें यह बताने के लिए सबसे मूल्यवान हैं कि लोग किससे संबंधित हैं, उन्होंने मुद्दों को कैसे देखा और उन्होंने अपनी आशाओं, आदर्शों, क्रोध और निराशाओं को कैसे व्यक्त किया।

कई इतिहासकारों ने गाने के बोल का इस्तेमाल उन लोगों की संस्कृति और चेतना को समझने में मदद करने के लिए किया है जिन्होंने उन्हें गाया और सुना। विशेष रूप से उन लोगों पर विचार करते समय, जिन्होंने अपने जीवन के कुछ लिखित खाते छोड़े हैं, गीत के बोल लोगों ने क्या सोचा और महसूस किया, उनके दैनिक संघर्ष और भविष्य के बारे में उनके सपनों के बारे में महत्वपूर्ण सुराग दे सकते हैं। निम्नलिखित गीत पढ़ें। उन्हें बनाने वाले लोगों के जीवन के बारे में वे क्या जानकारी प्रदान करते हैं? गीत के आधार पर आप गायकों के बारे में क्या कहानियाँ बता सकते हैं?

1855 में, पूर्व दास फ्रेडरिक डगलस ने दक्षिणी दासों द्वारा तैयार किए गए निम्नलिखित गीत को सुनने से संबंधित किया:

हम गेहूँ उगाते हैं, दे गिब अस डे कॉर्न
हम रोटी सेंकते हैं, दे गिब अस डे क्रूस
हम खाना खा रहे हैं, दे गिब उस दे हुस
हम मांस छीलते हैं, दे हमें त्वचा दे!
और आज हमें अंदर ले जाता है।
Lyrics meaning: हम दे बर्तन, दे दे हमें दे शराब स्किम्स,
An’ कहते हैं, “Dat’ एक निगर के लिए काफी अच्छा है।”


फ्लोरेंस में पुनर्जागरण वास्तुकला

पुनर्जागरण वास्तुकला पहली बार 15 वीं शताब्दी में फ्लोरेंस में विकसित हुई और शास्त्रीय शैलियों के एक सचेत पुनरुद्धार का प्रतिनिधित्व करती है।

सीखने के मकसद

१५वीं शताब्दी के फ्लोरेंटाइन वास्तुकला के महत्व और विशिष्ट शैली को परिभाषित करें

चाबी छीन लेना

प्रमुख बिंदु

  • फ्लोरेंस में वास्तुकला की पुनर्जागरण शैली पूर्ववर्ती शैलियों से धीमी गति से विकास के रूप में उभरी नहीं, बल्कि शास्त्रीय पुरातनता के स्वर्ण युग को पुनर्जीवित करने की मांग करने वाले आर्किटेक्ट्स द्वारा गति में एक जागरूक विकास के रूप में उभरा।
  • पुनर्जागरण शैली ने गॉथिक संरचनाओं के जटिल आनुपातिक प्रणालियों और अनियमित प्रोफाइल को छोड़ दिया, और समरूपता, अनुपात, ज्यामिति और भागों की नियमितता पर जोर दिया।
  • फ्लोरेंस में 15 वीं शताब्दी की वास्तुकला में शास्त्रीय तत्वों जैसे स्तंभों, पायलटों, लिंटल्स, अर्धवृत्ताकार मेहराबों और गोलार्ध के गुंबदों की व्यवस्थित व्यवस्था का उपयोग किया गया था।
  • फ़िलिपो ब्रुनेलेस्ची एक सच्चे पुनर्जागरण वास्तुकला को विकसित करने वाले पहले व्यक्ति थे।
  • जबकि विशाल ईंट गुंबद जो फ्लोरेंस कैथेड्रल के केंद्रीय स्थान को कवर करता है, गोथिक तकनीक का उपयोग करता है, यह शास्त्रीय रोम के बाद से बनाया गया पहला गुंबद था और पुनर्जागरण चर्चों में एक सर्वव्यापी विशेषता बन गया।
  • फ्लोरेंस में प्रारंभिक पुनर्जागरण की इमारतों ने प्रकाश, स्पष्टता और विशालता की एक नई भावना व्यक्त की जो मानवतावाद के दर्शन द्वारा महिमामंडित मन की प्रबुद्धता और स्पष्टता को दर्शाती है।

मुख्य शर्तें

  • क्वाट्रोसेंटो: वह शब्द जो १४०० के दशक को दर्शाता है, जिसे १५वीं शताब्दी का पुनर्जागरण इतालवी काल भी कहा जा सकता है।
  • इंतैबलमंत: स्तंभों की राजधानियों के ऊपर एक शास्त्रीय मंदिर के हिस्से में आर्किटेक्चर, फ्रिज़ और कंगनी शामिल हैं लेकिन छत नहीं।
  • पायलस्टर: एक आयताकार स्तंभ जो उस दीवार से आंशिक रूप से प्रक्षेपित होता है जिससे वह जुड़ा हुआ है, एक समर्थन का आभास देता है, लेकिन केवल सजावट के लिए है।

क्वाट्रोसेंटो, या फ्लोरेंस में 15 वीं शताब्दी, वास्तुकला की पुनर्जागरण शैली के विकास द्वारा चिह्नित की गई थी, जो प्राचीन ग्रीक और रोमन वास्तुशिल्प तत्वों के एक जागरूक पुनरुद्धार और विकास का प्रतिनिधित्व करती थी। पुनर्जागरण वास्तुकला के नियमों को पहली बार 15 वीं शताब्दी में फ्लोरेंस में तैयार किया गया और व्यवहार में लाया गया, जिनकी इमारतों ने बाद में पूरे इटली और पश्चिमी यूरोप में आर्किटेक्ट्स के लिए प्रेरणा के रूप में कार्य किया।

फ्लोरेंस में वास्तुकला की पुनर्जागरण शैली पूर्ववर्ती शैलियों से धीमी गति से विकास के रूप में नहीं उभरी, बल्कि एक स्वर्ण युग को पुनर्जीवित करने की मांग करने वाले आर्किटेक्ट्स द्वारा एक जागरूक विकास के रूप में उभरा। इन वास्तुकारों को शक्तिशाली मेडिसी परिवार और सिल्क गिल्ड सहित धनी संरक्षकों द्वारा प्रायोजित किया गया था, और एक संगठित और विद्वतापूर्ण दृष्टिकोण से अपने शिल्प से संपर्क किया, जो शास्त्रीय शिक्षा के सामान्य पुनरुद्धार के साथ मेल खाता था। पुनर्जागरण शैली ने जानबूझकर जटिल आनुपातिक प्रणालियों और गॉथिक संरचनाओं के अनियमित प्रोफाइल को छोड़ दिया। इसके बजाय, पुनर्जागरण आर्किटेक्ट्स ने शास्त्रीय रोमन वास्तुकला में प्रदर्शित समरूपता, अनुपात, ज्यामिति और भागों की नियमितता पर जोर दिया। उन्होंने शास्त्रीय प्राचीन विशेषताओं जैसे स्तंभों, पायलटों, लिंटल्स, अर्धवृत्ताकार मेहराबों और अर्धगोलाकार गुंबदों की व्यवस्थित व्यवस्था का भी काफी उपयोग किया।

आम तौर पर वास्तुकला की पुनर्जागरण शैली की उत्पत्ति का श्रेय फिलिपो ब्रुनेलेस्ची (1377-1446) है, जिसका पहला प्रमुख कमीशन- विशाल ईंट गुंबद जो फ्लोरेंस कैथेड्रल के केंद्रीय स्थान को कवर करता है-शायद वास्तुशिल्प रूप से सबसे महत्वपूर्ण था। के रूप में जाना डुओमो, गुंबद को ब्रुनेलेस्ची द्वारा पहले से मौजूद कैथेड्रल में फैले हुए हिस्से को कवर करने के लिए इंजीनियर किया गया था। गुंबद अपने डिजाइन में गॉथिक नुकीले मेहराब और गॉथिक पसलियों को बरकरार रखता है। गुंबद संरचनात्मक रूप से प्राचीन रोम के महान गुंबदों जैसे कि पंथियन से प्रभावित है, और इसे अक्सर पुनर्जागरण की पहली इमारत के रूप में वर्णित किया जाता है। गुंबद लाल ईंट से बना है और भौतिकी और गणित के नियमों की गहरी समझ का उपयोग करते हुए, बिना किसी सहारे के सरलता से बनाया गया था। यह दुनिया में सबसे बड़ा चिनाई वाला गुंबद बना हुआ है और अपने समय में इतनी अभूतपूर्व सफलता थी कि गुंबद उसके बाद चर्च और यहां तक ​​कि धर्मनिरपेक्ष वास्तुकला में एक अनिवार्य तत्व बन गया।

फ्लोरेंस के डुओमो: फ्लोरेंस कैथेड्रल पुनर्जागरण वास्तुकला में एक सच्चे गुंबद का पहला उदाहरण है।

फ्लोरेंस में पुनर्जागरण वास्तुकला के विकास में एक अन्य महत्वपूर्ण व्यक्ति लियोन बत्तीस्ता अल्बर्टी (1402-1472), एक महत्वपूर्ण मानवतावादी सिद्धांतकार और डिजाइनर थे, जिनकी वास्तुकला पर पुस्तक डे रे एडिफिकेटोरिया पुनर्जागरण का पहला स्थापत्य ग्रंथ था। अल्बर्टी ने फ्लोरेंस की दो सबसे प्रसिद्ध १५वीं सदी की इमारतों को डिजाइन किया: पलाज्जो रुसेलाई और सांता मारिया नोवेल्ला के चर्च का अग्रभाग। पलाज्जो रुसेलाई, 1446-51 का एक महलनुमा टाउनहाउस, पुनर्जागरण वास्तुकला की नई विकासशील विशेषताओं को दर्शाता है, जिसमें तीन स्तरों पर स्तंभों का शास्त्रीय क्रम और एक दूसरे के आनुपातिक संबंध में पायलटों और एंटेब्लेचर्स का उपयोग शामिल है।

पलाज्जो रुसेलाई, फ्लोरेंस: 1446-1451 के बीच लियोन बतिस्ता अल्बर्टी द्वारा डिजाइन किया गया।

सांता मारिया नोवेल्ला (1456-70) के मुखौटे ने भी शास्त्रीय रोमन वास्तुकला के आधार पर इसी तरह के पुनर्जागरण नवाचारों को दिखाया। अलबर्टी ने मौजूदा मध्ययुगीन मुखौटा के साथ सद्भाव पैदा करते हुए मानवतावादी वास्तुकला के आदर्शों और पहले से मौजूद संरचना के अनुपात को लाने का प्रयास किया। उनके योगदान में वर्गों से सजाए गए एक शास्त्रीय रूप से प्रेरित फ्रेज़, चार सफेद-हरे रंग के पायलट, और डोमिनिकन सौर प्रतीक के साथ एक पेडिमेंट द्वारा ताज पहनाया गया एक गोल खिड़की और एस-आकार के स्क्रॉल द्वारा दोनों तरफ झुका हुआ शामिल था। जबकि पेडिमेंट और फ्रिज़ शास्त्रीय वास्तुकला से प्रेरित थे, स्क्रॉल नए थे और पुरातनता में मिसाल के बिना, और पूरे इटली में चर्चों में एक बहुत लोकप्रिय वास्तुशिल्प विशेषता बन गए।

सांता मारिया नोवेल: फ्लोरेंस में सांता मारिया नोवेल्ला चर्च का अग्रभाग, अल्बर्टिस द्वारा डिजाइन किया गया

फ्लोरेंस में प्रारंभिक पुनर्जागरण की इमारतों ने प्रकाश, स्पष्टता और विशालता की एक नई भावना व्यक्त की जो मानवतावाद के दर्शन द्वारा महिमामंडित मन की प्रबुद्धता और स्पष्टता को दर्शाती है।


पुनर्जागरण वास्तुकला के चरण

जिस अवधि को हम पुनर्जागरण कहते हैं, उससे पहले उत्तरी इटली के कलाकार सदियों से नए विचारों की खोज कर रहे थे। हालाँकि, १४०० और १५०० के दशक में प्रतिभा और नवीनता का विस्फोट हुआ। फ्लोरेंस, इटली को अक्सर प्रारंभिक इतालवी पुनर्जागरण का केंद्र माना जाता है। १४०० के दशक की शुरुआत में, चित्रकार और वास्तुकार फिलिपो ब्रुनेलेस्ची (१३७७-१४४६) ने फ्लोरेंस (सी। १४३६) में महान डुओमो (कैथेड्रल) गुंबद को डिजाइन किया था, जो डिजाइन और निर्माण में इतना नवीन था कि आज भी इसे ब्रुनेलेस्ची का डोम कहा जाता है। ओस्पेडेल डिगली इनोसेंटी (सी. 1445), इटली के फ्लोरेंस में भी एक बच्चों का अस्पताल, ब्रुनेलेस्ची के पहले डिजाइनों में से एक था।

ब्रुनेलेस्ची ने रैखिक परिप्रेक्ष्य के सिद्धांतों को भी फिर से खोजा, जिसे अधिक परिष्कृत लियोन बत्तीस्ता अल्बर्टी (1404 से 1472) ने आगे जांचा और प्रलेखित किया। अल्बर्टी, एक लेखक, वास्तुकार, दार्शनिक और कवि के रूप में, सत्य के रूप में जाने गए पुनर्जागरण आदमी कई कौशल और रुचियों के। पलाज़ो रुसेलाई (सी। 1450) के उनके डिजाइन को "मध्ययुगीन शैली से वास्तव में तलाकशुदा कहा जाता है, और अंत में इसे सर्वोत्कृष्ट पुनर्जागरण माना जा सकता है:" पेंटिंग और वास्तुकला पर अल्बर्टी की किताबें आज तक क्लासिक्स मानी जाती हैं।

जिसे "उच्च पुनर्जागरण" कहा जाता है, उस पर लियोनार्डो दा विंची (1452 से 1519) और युवा अपस्टार्ट माइकल एंजेलो बुओनारोती (1475 से 1564) के कार्यों का प्रभुत्व था। इन कलाकारों ने उन लोगों के कामों पर निर्माण किया जो उनके सामने आए थे, जो आज तक प्रशंसित शास्त्रीय प्रतिभा का विस्तार करते हैं।

लियोनार्डो, के अपने चित्रों के लिए प्रसिद्ध पिछले खाना और यह मोना लीसा, जिसे हम "पुनर्जागरण पुरुष" कहते हैं, की परंपरा को जारी रखा। विट्रुवियन मैन सहित आविष्कारों और ज्यामितीय रेखाचित्रों की उनकी नोटबुक प्रतिष्ठित बनी हुई है। एक शहरी योजनाकार के रूप में, उससे पहले के प्राचीन रोमनों की तरह, दा विंची ने अपने अंतिम वर्ष फ्रांस में बिताए, राजा के लिए एक यूटोपियन शहर की योजना बनाई।

1500 के दशक के दौरान, महान पुनर्जागरण मास्टर, कट्टरपंथी माइकल एंजेलो बुओनारोती ने सिस्टिन चैपल की छत को चित्रित किया और वेटिकन में सेंट पीटर की बेसिलिका के लिए गुंबद को डिजाइन किया। माइकल एंजेलो की सबसे पहचानने योग्य मूर्तियां यकीनन हैं पिएटा और 17 फुट की भव्य संगमरमर की मूर्ति डेविड. यूरोप में पुनर्जागरण एक ऐसा समय था जब कला और वास्तुकला अविभाज्य थे और एक व्यक्ति के कौशल और प्रतिभा संस्कृति के पाठ्यक्रम को बदल सकते थे। अक्सर प्रतिभाओं ने पोप के निर्देशन में एक साथ काम किया।


अंत्येष्टि कला

बाद के जीवन से संबंध व्यक्त करते हुए, अंत्येष्टि कला हमेशा वास्तुशिल्प नहीं होती है, क्योंकि यह विशुद्ध रूप से प्रतीकात्मक हो सकती है और इसलिए मूर्तिकला उपचार के लिए उपयुक्त हो सकती है, जैसा कि क्लासिक ग्रीक, मध्ययुगीन और आधुनिक मकबरे में है। अंत्येष्टि वास्तुकला का निर्माण उन समाजों द्वारा किया जाता है, जिनका जीवन के बाद के जीवन में विश्वास भौतिकवादी है और ऐसे व्यक्तियों द्वारा जो अपने अस्थायी महत्व को कायम रखना और प्रतीक बनाना चाहते हैं। प्राचीन मिस्र (पिरामिड), हेलेनिस्टिक ग्रीस (हैलिकारनासस में मौसोलस का मकबरा, जो शब्द का स्रोत है) में स्मारक कब्रों का निर्माण किया गया है। समाधि), प्राचीन रोम (हैड्रियन का मकबरा), पुनर्जागरण यूरोप (माइकल एंजेलो का मेडिसी चैपल, फ्लोरेंस), और एशिया (ताजमहल, आगरा, उत्तर प्रदेश, भारत)। आधुनिक मकबरे के डिजाइन ने जीवन शक्ति खो दी है, हालांकि यह पहले की तरह विस्तृत (विक्टर इमैनुएल II, रोम के लिए स्मारक) या शक्ति (लेनिन समाधि, मॉस्को) के संदर्भ में सार्थक है। असाधारण उदाहरण चरित्र में आंशिक रूप से मूर्तिकला हैं (उदाहरण के लिए, लुई सुलिवन का वेनराइट मकबरा, सेंट लुइस, मिसौरी वाल्टर ग्रोपियस का युद्ध स्मारक, वीमर, जर्मनी)।

18 वीं शताब्दी के बाद से धार्मिक परंपराओं के कमजोर होने के कारण अधिकांश धार्मिक वास्तुकला ने व्यक्तित्व और महत्व खो दिया है। लेकिन आज, पहले की तरह, उत्कृष्ट वास्तुकारों ने बेहतर समाधानों के साथ उपयोग और अभिव्यक्ति की नई मांगों को पूरा किया है।


१७वीं सदी की शैलियाँ - एक दुनिया उलटी हो गई

इनिगो जोन्स (१५७३-१६५२) के अपवाद के साथ, जिनके शास्त्रीय विवरण और अनुपात के आत्मविश्वास से निपटने ने उन्हें इस अवधि के अन्य सभी वास्तुकारों से अलग कर दिया, १७वीं शताब्दी की सबसे शुरुआती इमारतों में दिवंगत ट्यूडर के निर्दोष उत्साह को एक कदम आगे ले जाने की प्रवृत्ति थी। पारंपरिक योजना को शानदार ढंग से उड़ाए गए आभूषण में लपेटा गया था - उस समय के विवरणों को 'सजावट के पागलपन के ढेर' के रूप में वर्णित किया गया था। देखने में बहुत ही घृणित'।

लेकिन १६४० और ५० के दशक के दौरान गृह युद्ध और उसके बाद कई सज्जनों और रईसों को या तो लड़ाई से बचने के लिए या जब युद्ध हार गया, चार्ल्स द्वितीय को निर्वासन में ले जाने के लिए महाद्वीप में भेजा गया। वहां वे फ्रांसीसी, डच और इतालवी वास्तुकला के संपर्क में आए और 1660 में चार्ल्स की बहाली के साथ, निर्माण गतिविधियों की बाढ़ आ गई क्योंकि शाही लोगों ने अपनी संपत्ति को पुनः प्राप्त किया और नवीनतम यूरोपीय प्रवृत्तियों को दर्शाते हुए खुद के घर बनाए।

शैली भारी और समृद्ध है, कभी-कभी अतिशयोक्तिपूर्ण और मेलोड्रामैटिक है।

जैसे-जैसे सदी आगे बढ़ी, इसने खुद को बैरोक भव्यता के लिए एक जुनून में बदल दिया, जिसे लुई XIV ने वर्साय में स्टेटक्राफ्ट के एक उपकरण में बदल दिया था। औपचारिक, ज्यामितीय और सममित योजना का मतलब था कि एक महान स्वामी अपने भोजन कक्ष में, भौतिक और साथ ही अपनी दुनिया के रूपक केंद्र में बैठ सकता था, जिसमें कमरों के सुइट्स दोनों तरफ सीधी रेखाओं में निकलते थे। उनके बगीचे उन रेखाओं को लंबे, सीधे चलने और रास्ते में दर्शाते थे।

ब्रिटिश बैरोक अधिकार का एक पुन: दावा था, जो पुरुषों द्वारा निरंकुश विचारधारा की अभिव्यक्ति थी, जो एक ऐसी दुनिया को याद करते थे जो गृहयुद्ध के दौरान उलटी हो गई थी। शैली भारी और समृद्ध है, कभी-कभी अतिशयोक्तिपूर्ण और मेलोड्रामैटिक है। जिस राजनीति ने इसे रेखांकित किया है, वह संदिग्ध है, लेकिन इसके उत्पाद लुभावने हैं।


राजनीतिक जीवन

सरकार। नीदरलैंड एक केंद्रीय निकाय द्वारा शासित एक एकात्मक राज्य है। राजनीतिक प्रणाली एक संसदीय लोकतंत्र के साथ-साथ एक संवैधानिक राजतंत्र भी है। रानी का बहुत कम राजनीतिक प्रभाव है, उनकी भूमिका काफी हद तक प्रतीकात्मक है। राजनीतिक शक्ति एक प्रधान मंत्री की अध्यक्षता वाले मंत्रियों के मंत्रिमंडल के हाथों में होती है। कैबिनेट संसद के प्रति जवाबदेह है ( स्टेटन-जनरल ), जिनके सदस्य चार साल के अंतराल पर चुने जाते हैं। डच संसद में पहला चैंबर और दूसरा चैंबर होता है, जो एक साथ विधायी निकाय का गठन करते हैं। दूसरा चैंबर नया कानून शुरू करता है। इसके सदस्य सीधे लोगों द्वारा चुने जाते हैं, जिनके पास 1919 से सार्वभौमिक मताधिकार है। दूसरे सदन के सदस्य आनुपातिक प्रतिनिधित्व द्वारा चुने जाते हैं, जिससे बड़ी संख्या में राजनीतिक दल एक साथ 150 सीटों के लिए प्रतिस्पर्धा करते हैं। पहला सदन दूसरे सदन द्वारा प्रस्तावित नए कानून की या तो पुष्टि करता है या उसे अस्वीकार करता है। इसके सदस्यों का चुनाव के सदस्यों द्वारा किया जाता है प्रांतीय स्टेटन . बारह प्रांतों में से प्रत्येक में एक स्थानीय शासी बोर्ड है ( प्रांतीय स्टेटन ) जिसकी कुर्सी रानी की आयुक्त होती है, जिसे सरकार जीवन भर के लिए नियुक्त करती है। इसके सदस्य प्रांत के निवासियों द्वारा चुने जाते हैं। प्रत्येक नगरपालिका में एक निर्वाचित परिषद होती है जिसकी अध्यक्षता महापौर और निर्वाचित अल्डरमेन करते हैं। आयुक्तों और महापौरों को सरकार द्वारा जीवन भर के लिए चुना जाता है।

नेतृत्व और राजनीतिक अधिकारी। मुख्य राजनीतिक दल PvdA (सामाजिक डेमोक्रेट), VVD (रूढ़िवादी), और CDA (ईसाई डेमोक्रेट) हैं। इन पार्टियों को बड़ी संख्या में छोटे दलों द्वारा पूरक किया जाता है, जिनमें समाजवादी और राष्ट्रवादी से लेकर धार्मिक और हरे रंग तक शामिल हैं। डच कैबिनेट हमेशा प्रमुख राजनीतिक दलों के गठबंधन होते हैं। सर्वसम्मति की ओर खुली बहस और बातचीत डच राजनीतिक संस्कृति का हिस्सा है।

अधिकांश शीर्ष स्तर के सरकारी पदों पर दूसरे सदन के पूर्व सदस्यों का कब्जा है जो पार्टी रैंकों में आगे बढ़े हैं। मंत्रालयों के अधिकांश सार्वजनिक पदाधिकारी करियर नौकरशाह हैं। राजनेताओं और आम नागरिकों के बीच बातचीत काफी सीमित है, खासकर प्रांतीय और राष्ट्रीय स्तर पर। केवल औद्योगिक संघ, संघ, गैर सरकारी संगठन (एनजीओ), और राजनीतिक लॉबी सीधे राजनीतिक मामलों पर बातचीत करते हैं। इन समूहों का राजनीतिक निर्णय लेने पर गहरा प्रभाव पड़ता है।

सामाजिक समस्याएं और नियंत्रण। यातायात उल्लंघन सबसे आम कानूनी उल्लंघन हैं। अन्य यूरोपीय देशों की तुलना में हिंसक अपराध कम हैं और संयुक्त राज्य अमेरिका में १९९६ में २७३ हत्याएं की गईं, जो प्रति १००,००० निवासियों पर १.८ हत्याएं थीं। डच नागरिक ज्यादातर लूटपाट और चोरी की चिंता करते हैं। लोग शायद ही कभी कानून को अपने हाथ में लेते हैं। बहुत कम पड़ोस की घड़ियाँ हैं और कोई सशस्त्र नागरिक मिलिशिया नहीं हैं। नीदरलैंड के पास बहुत सख्त बंदूक नियंत्रण है। कम मात्रा में सॉफ्ट ड्रग्स (मारिजुआना और हशीश) रखने पर मुकदमा नहीं चलाया जाता है। तथाकथित कॉफ़ीशॉप में सॉफ्ट ड्रग्स की बिक्री कानूनी नहीं है, लेकिन इसे सहन किया जाता है। ड्रग्स के प्रति उदार रुख और यूरोप के भीतर एक प्रमुख परिवहन केंद्र के रूप में अपनी स्थिति के कारण नीदरलैंड ड्रग पर्यटकों के लिए एक चुंबक बन गया है। नीदरलैंड में वेश्यावृत्ति को लेकर बड़ी सहनशीलता है। रैंडस्टैड शहरों में रेड लाइट जिले हैं जिनमें महिलाएं संभावित ग्राहकों के सामने खुद को खिड़कियों के पीछे प्रदर्शित करती हैं।

सैन्य गतिविधि। 1990 के दशक के दौरान डच सेना को पेशेवर बनाया गया था, जब औपचारिक रूप से भर्ती को समाप्त कर दिया गया था। शीत युद्ध की समाप्ति के कारण 1989 और 1998 के बीच रक्षा बजट में काफी गिरावट आई। सशस्त्र संघर्षों की अनुपस्थिति में, डच सशस्त्र बल केवल राष्ट्रीय आपदाओं जैसे प्रमुख बाढ़ और जंगल की आग के दौरान और संयुक्त राष्ट्र या नाटो के तत्वावधान में अंतरराष्ट्रीय शांति अभियानों में सक्रिय हो जाते हैं। भले ही डच सेना को कम सम्मान में रखते हैं, लेकिन शांति अभियानों के प्रति उनका रवैया बहुत सकारात्मक है।


पवित्र रोमन साम्राज्य की वास्तुकला

पवित्र रोमन साम्राज्य की वास्तुकला रोमनस्क्यू से शास्त्रीय युग तक फैली हुई है।

सीखने के मकसद

रोमनस्क्यू वास्तुकला की विशेषताओं की तुलना पूर्व-रोमनस्क्यू और बाद की शैलियों से करें

चाबी छीन लेना

प्रमुख बिंदु

  • पवित्र रोमन साम्राज्य 962 से 1806 तक अस्तित्व में था और अपने चरम पर जर्मनी, बोहेमिया, इटली और बरगंडी के राज्यों के क्षेत्र शामिल थे।
  • माना जाता है कि पूर्व-रोमनस्क्यू वास्तुकला की उत्पत्ति 8 वीं शताब्दी के अंत में कैरोलिंगियन पुनर्जागरण के साथ हुई थी।
  • रोमनस्क्यू काल (१०वीं &#८२११ की शुरुआत १३वीं शताब्दी) अर्ध-गोलाकार मेहराब, मजबूत उपस्थिति, छोटी जोड़ी वाली खिड़कियां, और कमर के वाल्टों की विशेषता है।
  • गोथिक वास्तुकला जैसे कोलोन कैथेड्रल उच्च और देर से मध्ययुगीन काल के दौरान फला-फूला।
  • पुनर्जागरण वास्तुकला (शुरुआती १५वीं और #८२११ की शुरुआत १७वीं शताब्दी) यूरोप के कुछ हिस्सों में प्राचीन ग्रीक और रोमन विचारों और संस्कृति के एक जागरूक पुनरुद्धार और विकास के साथ विकसित हुई।
  • बैरोक वास्तुकला 17 वीं शताब्दी की शुरुआत में इटली में शुरू हुई और तीस साल के युद्ध के बाद जर्मनी पहुंची। वास्तुकला, चित्रकला और मूर्तिकला की परस्पर क्रिया बैरोक वास्तुकला की एक अनिवार्य विशेषता है।
  • पवित्र रोमन साम्राज्य के विघटन से ठीक पहले, 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में जर्मनी में शास्त्रीयता का आगमन हुआ।

मुख्य शर्तें

  • ओटोनियन पुनर्जागरण: एक छोटा पुनर्जागरण जो सैक्सन राजवंश के पहले तीन सम्राटों के शासनकाल के साथ था, सभी का नाम ओटो: ओटो I (936–973), ओटो II (973–983), और ओटो III (983–1002) था।
  • रोकोको: 18वीं शताब्दी का एक कलात्मक आंदोलन और शैली जिसने चित्रकला, मूर्तिकला, वास्तुकला, आंतरिक डिजाइन, सजावट, साहित्य, संगीत और रंगमंच सहित कला के कई पहलुओं को प्रभावित किया, जिसे लेट बारोक भी कहा जाता है।

पृष्ठभूमि: पवित्र रोमन साम्राज्य

पवित्र रोमन साम्राज्य भूमि का एक अलग परिसर था जो 962 से 1806 तक मध्य यूरोप में मौजूद था। साम्राज्य का क्षेत्र मुख्य रूप से मध्य यूरोप में था और अपने चरम पर जर्मनी, बोहेमिया, इटली और बरगंडी के राज्य शामिल थे। अपने अधिकांश इतिहास के लिए, साम्राज्य में सैकड़ों छोटी उप-इकाइयाँ, रियासतें, डची, काउंटियाँ, नि: शुल्क शाही शहर और अन्य डोमेन शामिल थे।

पवित्र रोमन साम्राज्य की वास्तुकला

पूर्व रोम देशवासी

पश्चिमी यूरोपीय कला में पूर्व-रोमनस्क्यू काल अक्सर 8 वीं शताब्दी के अंत में 11 वीं शताब्दी की शुरुआत में कैरोलिंगियन पुनर्जागरण से दिनांकित होता है। इस अवधि की जर्मन इमारतों में लोर्श एब्बी शामिल है, जो स्थानीय ट्यूटनिक विरासत (अंधा आर्केड और पॉलीक्रोमैटिक चिनाई के आधारहीन त्रिकोण सहित) के साथ रोमन विजयी मेहराब (आर्क-आकार के मार्ग और आधे स्तंभों सहित) के तत्वों को जोड़ती है। इस शैली में सबसे महत्वपूर्ण चर्चों में से एक सेंट माइकल का अभय चर्च है, जिसका निर्माण १००१ और १०३१ के बीच बेनिदिक्तिन मठ के चैपल के रूप में किया गया था। यह ओटोनियन पुनर्जागरण के दौरान तथाकथित ओटोनिक (प्रारंभिक-रोमनस्क्यू) शैली में बनाया गया था।

रोम देशवासी

रोमनस्क्यू काल (10वीं – 13वीं शताब्दी की शुरुआत) अर्ध-गोलाकार मेहराब, मजबूत संरचनाएं, छोटी युग्मित खिड़कियां, और कमर के वाल्टों की विशेषता है। जर्मनी में कई चर्च इस समय से हैं, जिनमें कोलोन के बारह रोमनस्क्यू चर्च भी शामिल हैं। जर्मनी में सबसे महत्वपूर्ण रोमनस्क्यू इमारत स्पीयर कैथेड्रल है, जिसे लगभग 1030 से चरणों में बनाया गया था। 11 वीं शताब्दी में, यह ईसाई दुनिया की सबसे बड़ी इमारत थी और सालियन राजवंश की शक्ति का एक वास्तुशिल्प प्रतीक था, चार जर्मन राजा जिन्होंने शासन किया था 1024-1125 से। रोमनस्क्यू शैलियों के अन्य महत्वपूर्ण उदाहरणों में वर्म्स और मेनज़ के कैथेड्रल, लिम्बर्ग कैथेड्रल (रिनिश रोमनस्क्यू शैली में), मौलब्रॉन एबे (सिस्टरियन वास्तुकला का एक उदाहरण), और वार्टबर्ग का प्रसिद्ध महल शामिल है, जिसे बाद में गोथिक शैली में विस्तारित किया गया था।

स्पीयर कैथेड्रल (अल्फ्रेड हटर द्वारा छवि): स्पीयर कैथेड्रल रोमनस्क्यू युग के दौरान बनाया गया था और 11 वीं शताब्दी में रोमनस्क्यू वास्तुकला का एक उदाहरण है, यह ईसाई दुनिया की सबसे बड़ी इमारत और सालियन राजवंश की शक्ति का एक वास्तुशिल्प प्रतीक था।

गोथिक

गोथिक वास्तुकला उच्च और देर से मध्ययुगीन काल के दौरान विकसित हुई, रोमनस्क्यू वास्तुकला से विकसित हुई। फ्रीबर्ग कैथेड्रल अपने 116 मीटर के टॉवर के लिए प्रसिद्ध है, जो केंद्र में एक डोडेकोनाल स्टार गैलरी के साथ आधार पर लगभग चौकोर है। इस गैलरी के ऊपर, टावर अष्टकोणीय है और ऊपर एक शिखर के साथ पतला है। मिलान कैथेड्रल के बाद कोलोन कैथेड्रल दुनिया का सबसे बड़ा गोथिक कैथेड्रल है। निर्माण 1248 में शुरू हुआ और 1880 तक पूरा हुआ - 600 से अधिक वर्षों की एक आंतरायिक अवधि। अपने विशाल जुड़वां शिखरों के कारण, इसमें दुनिया के किसी भी चर्च का सबसे बड़ा अग्रभाग भी है, और इसके गाना बजानेवालों में किसी भी मध्यकालीन चर्च की चौड़ाई के अनुपात में सबसे बड़ी ऊंचाई है।

कोलोन कैथेड्रल: कोलोन कैथेड्रल - मिलान कैथेड्रल के बाद - दुनिया का सबसे बड़ा गोथिक कैथेड्रल है, जिसे 600 वर्षों की प्रक्रिया में बनाया गया है।

ब्रिक गॉथिक गोथिक वास्तुकला की एक विशिष्ट शैली है जो उत्तरी यूरोप में आम है, विशेष रूप से उत्तरी जर्मनी और बाल्टिक सागर के आसपास के क्षेत्रों में प्राकृतिक रॉक संसाधनों के बिना। इमारतें मुख्य रूप से ईंटों से बनी हैं। Cities such as Lübeck, Rostock, Wismar, Stralsund, and Greifswald are shaped by this regional style key examples include
Stralsund City Hall and St. Nicholas Church.

The dwellings of this period were mainly timber-framed buildings still seen in Goslar and Quedlinburg, the latter of which has one of the oldest half-timbered houses in Germany. The method of construction, used extensively for town houses of the Medieval and Renaissance periods, lasted into the 20th century for rural buildings.

पुनर्जागरण काल

Renaissance architecture (early 15 th – early 17 th centuries) flourished in different parts of Europe with the conscious revival and development of ancient Greek and Roman thought and culture. As in other areas of Europe, Renaissance architecture in the Holy Roman Empire placed emphasis on symmetry , proportion, geometry, and the regularity of parts as demonstrated in the architecture of classical antiquity , particularly ancient Roman architecture. Orderly arrangement of columns, pilasters , and lintels and the use of semicircular arches, hemispherical domes , niches, and aedicules replaced the complex proportional systems and irregular profiles of medieval buildings. The earliest example of Renaissance architecture in Germany is the Fugger chapel in St. Anne’s Church, Augsburg other works include St. Michael in Munich, Heidelberg Castle, Augsburg City Hall, and castles and manors throughout Wester, Thuringia, and Saxony.

Baroque

Baroque architecture began in the early 17 th century in Italy and arrived in Germany after the Thirty Years War. The interaction of architecture, painting, and sculpture is an essential feature of Baroque architecture, which integrated new fashions to express the triumph of the Catholic Church and was characterized by new explorations of form , light and shadow and dramatic intensity . Zwinger Palace in Dresden illustrated the architecture of absolutism, which always put the ruler at the center thus increasing the spatial composition for example, a magnificent staircase leading to the figure. In Rococo , the late phase of Baroque, decoration became even more abundant and used brighter colors. Other examples of Baroque church architecture include the Basilica of the Vierzehnheiligen in Upper Franconia and the rebuilt Frauenkirche in Dresden.

Die Frauenkirche in Dresden: The rebuilt Frauenkirche in Dresden was created by George Bähr between 1722 and 1743, and is an example of Baroque architecture in Germany.

Classicism

Classicism arrived in Germany in the second half of the 18 th century. It drew inspiration from the classical architecture of antiquity and was a reaction against the Baroque style in both architecture and landscape design. The most important architect of this style in Germany was Karl Friedrich Schinkel. Schinkel’s style, in his most productive period, is defined by its appeal to Greek rather than Imperial Roman architecture his most famous buildings are found in and around Berlin.


Exploring the Art and Architecture of Ancient Pompeii

Pompeii, situated in southern Italy, is well known for the vicious eruption of Mount Vesuvius on the 29th August 70 A.D. The eruption led to the entirety of the city being buried beneath a 6 metre thick layer of volcanic ash that solidified and preserved everything that lay beneath for 17 long centuries. Today, archaeologists, architects and even artists are being inspired by ancient Rome anew.

Since being discovered by excavators in 1748, Pompeii has captured popular imagination. Today it is one of the most popular and intriguing excavation sites in the world tourists from across the globe travel to this site to witness the ancient ruins of a Roman city that once flourished and bustled with life.However Pompeii attracts intrigued visitors for something even more unusual than its 2000 year old history, caught forever in ash.

The remains of ancient Pompeii have given us an exceptional understanding of the life of ancient Romans. There are many cultural aspects of Roman lives that we have adapted for our own modern way of living, and the discovery of Pompeii has deepened our understanding of our connection to the art and culture of the Bay of Naples.

There is much evidence of the grand scale of art and magnificent architecture that once existed in the city as some of its ruins still remain today, such as the Arch of Caligula, as well as buildings of great political social and commercial significance, including as the Forum that once stood central in this city.

Pompeii and many other Roman cities also owned a different genre of grand buildings. The primary purposes of such buildings were to provide entertainment for the Romans who belonged to a society that craved excitement and thrived from thrilling entertainment experiences. Buildings known as amphitheatres were built exactly for the purpose of entertaining a grand Roman audience.

Today, modern architects favour the Ancient Roman design of the amphitheatre a circular shape with tiered seating situated around a central performance area, the original amphitheatre design is used today with only slight adjustments. However, the performance that take place in modern amphitheatres are somewhat different from Roman favourites such as gladiator fighting, animal slaying and public executions.

As Pompeii was uncovered by excavators it became clear that this city was once steeped with rich art and culture. Most noteworthy are the magnificent villas and houses that attract many of Pompeii’s tourists. These buildings are unique in the way that they are so well preserved that even artwork can still be seen clearly on many of the walls of such buildings. These findings accurately reflect the lifestyle of many Romans that would choose to vacate to this area of Naples during the spring and summer months in the hope of escaping from the pressures of everyday working life. Even famous emperors such as Augustus, Caesar and Nero all took a liking to this area of Italy.

The most famous of all the houses in Pompeii is the Villa of Mysteries (Villa dei Misteri). One particular room situated within the villa exhibits many paintings of great beauty and oddness. Though nobody is exactly certain as to what these strange paintings represent, interpretations have led to the belief that these paintings depict a religious rite. As well as the theme of religion, another theme that was commonly found during the excavations around the bay of Naples is the eroticism in art. Even household items that were uncovered during excavations belonged to this nature.

Romans favoured outdoor living, and for this reason much of the artwork that was uncovered in Pompeii actually has been found on outside walls of buildings. A popular style of painting that existed during this time was the एफresco, large paintings that often covered entire walls to give the illusion of an extensive garden area. We know these एफrescos today as murals, and the idea of covering an entire wall with an image still remains popular in modern society.

Frescos proved to be a popular genre of Pompeiian art and were also used on the interior walls of houses to reduce the claustrophobic interior that was often triggered by the absence of windows. Architects, artists and potters have taken much inspiration from the art of Pompeii: the neoclassicism style itself is said to be mostly inspired by the excavations and rediscovery of Pompeii and Herculaneum, the aesthetic values of neoclassical paintings are almost indistinguishable from the एफrescos found in Pompeii and Herculaneum. This interest in classical art continued from the 18th century right through to early 19th century due to the rediscovery of the beautiful art and architecture in Pompeii.

Pompeii may be best known for its destruction rather than its creativity but, perhaps surprisingly, the art and culture of the Roman city continues to influence us today. Whether in the form of neoclassicism, eroticism or grandiose architecture, Pompeii remains a tangible force in modern life, even from a distance of 2000 years.


Moorish Architecture

Moorish architecture, like all Islamic architecture, has distinctive motifs: rounded arches, Arabic calligraphy, vegetative design, and decorative tiles.

Moorish architecture is a variation of Islamic architecture. There are many motifs, or repeated patterns, in Moorish architecture. This photo gallery illustrates just a few. The first slide gives an overview of the motifs: different styles of arches, calligraphy, vegetative design, and decorative tiles.

Moorish architecture is named after the Moors, North African people who conquered the Iberian Peninsula and many islands in the Western Mediterranean beginning in the 700s. The Moors controlled what is now Spain, Portugal, and the Pyrenees region of France for hundreds of years.

The Moors were Muslim and influenced by the Islamic architecture that developed in the Middle East. Although mosques are the most common examples of Moorish architecture, motifs spread to the design of homes and places of businesses. One of the most famous examples of Moorish architecture, the Mezquita or Grand Mosque of Cordoba, Spain, is today the region's Catholic cathedral.

Read the captions associated with the photo gallery and review the relevant vocabulary words in the "Vocabulary" tab. Then answer the questions in the "Questions" tab.

Many buildings constructed in the Moorish architectural style are mosques, Muslim places of worship. What buildings included in the photo gallery are NOT mosques?

NS Ben Youssef Madrassa (slide 2), the Alhambra (slide 3), Cordoba Cathedral (slides 5 and 7), the gateway arch (slide 6), the Dome of the Rock (slide 8), and the Minaret of Jam (slide 9) are not mosques.

What building, constructed as a mosque in the Moorish architectural style, is now a Christian church?

NS Cathedral of Cordoba, Spain, was originally built as a mosque.

What photos depict minarets?

Photos of the Minaret of Jam (slide 9) and the Imam Mosque (slide 11) include minarets.

Most buildings constructed in the Moorish architectural style include Arabic script. Which photos do NOT depict such calligraphy?

Photos of the Sheikh Zayed Mosque (slide 4 ), the prayer hall of Cordoba Cathedral (slide 5), the gateway arch (slide 6), the Royal Mosque (slide 12), Sepahsalar Mosque (slide 13), टाइल (slide 14), and Wazir Khan Mosque (slide 15) do not include calligraphy. All of these buildings, however, have calligraphy incorporated elsewhere on the building.

Which of these buildings are in Europe?

NS Cathedral of Cordoba और यह Alhambra are in Spain, and the Blue Mosque is in Istanbul, Turkey.

List of site sources >>>


वह वीडियो देखें: Peut-on dire dune civilisation quelle est supérieure à une autre? (जनवरी 2022).